Emilia Romagna Teatro Fondazione (ERT) è il teatro stabile pubblico della regione Emilia Romagna, attivo su una rete di cinque città: Modena (dove c’è la sede legale), Bologna, Cesena, Vignola e Castelfranco Emilia. Dal 2015 è entrato nel novero dei Teatri Nazionali italiani.
Un luogo il più possibile “aperto” di incontro, dialogo, riflessione, crescita e divertimento, pronto a farsi permeare dalla realtà che lo circonda e a penetrare capillarmente tutti gli spazi cittadini dal centro alle periferie. Un palcoscenico, insomma, progettato per le proprie città e con le proprie città. Una vera e propria “piazza” in cui la comunità può ritrovarsi per capire le proprie origini, per decifrare il proprio presente e per costruire il proprio futuro, a dispetto dei muri e alle gabbie censorie sempre più inquietanti che stanno ergendosi in svariati angoli (nemmeno troppo remoti) del nostro vecchio continente… Un teatro particolarmente attento ai giovani attori e autori e al pubblico dei giovani perchè questo è un teatro a misura di città: serve a riflettere insieme, per agire insieme e per divertirsi insieme. «Il teatro», infatti, era solito ripetere Brecht, «rimane» sempre «teatro, anche se è teatro d’insegnamento; e nella misura in cui è buon teatro, è anche divertente».
Concentriamoci sulle possibilità di acquisto della sede di Modena, a Teatro Storchi e rimandiamo al sito per le altre città
Dal 13 al 28 gennaio 2018
GIOIE E DOLORI NELLA VITA DELLE GIRAFFE
di Tiago Rodrigues
scene e regia Teodoro Bonci del Bene
con Carolina Cangini, Dany Greggio, Jacopo Trebbi, Martin Chishimba
luci Matteo Rubagotti
Big Action Money
produzione EMILIA ROMAGNA TEATRO FONDAZIONE
Di Gioie e dolori nella vita delle giraffe scritto da Tiago Rodrigues, personalità di spicco del panorama teatrale portoghese che alcuni ricorderanno per Três dedos abaixo do joelho andato in scena a VIE Festival nel 2013, è protagonista una bambina di nove anni: orfana di madre e figlia di uno scrittore con problemi economici, vaga per Lisbona in cerca del Primo Ministro del Portogallo affinché eserciti potere per consentirle di soddisfare un suo capriccio; e, trovandolo, lo minaccia di morte.
«L’opera in sé è una sorta di fiaba contemporanea, dallo svolgimento lineare ma con elementi di post-drammaticità – suggerisce Teodoro – e con alcune modifiche potrebbe somigliare a un film d’animazione di ultima generazione o al “Mago di Oz”; perché una bambina, ponendosi un obiettivo da raggiungere, cammina per la città e fa degli incontri, tra cui un orsacchiotto di pezza volgare e sboccato».
Ambientato per le strade di Lisbona, questo testo «se lo priviamo di reali connotazioni geografiche e delle citazioni che lo legano al Portogallo – aggiunge – potrebbe essere ambientato in una strada di periferia di una qualsiasi grande metropoli tanto quanto una strada periferica di una piccola città». Lo spettacolo genera una riflessione sul tema delle regole, e della sopravvivenza, in una «società di singoli» che pretende l’esistenza di norme soltanto per espandere o garantire la propria libertà individuale o personale.
Dal 17 al 20 gennaio
Di William Shakespeare – Traduzione Sergio Perosa – adattamento e regia Àlex Rigola
con Michele Riondino e con Maria Grazia Mandruzzato, Stefano Scandaletti, Michele Maccagno, Silvia Costa, Margherita Mannino, Eleonora Panizzo, Pietro Quadrino, Riccardo Gamba, Raquel Gualtero, Beatrice Fedi, Andrea Fagarazzi
spazio scenico Max Glaenzel- spazio sonoro Nao Albert – illuminazione Carlos Marquerie- costumi Silvia Delagneau – assistente alla regia Lorenzo Marangoni- produzione TEATRO STABILE DEL VENETO- foto di Serena Pea
William Shakespeare scrisse Giulio Cesare nel 1599, traendo ispirazione in parte da fatti storici e in parte dalla traduzione di Sir Thomas North delle “Vite dei nobili greci e romani” di Plutarco. L’opera comprime i tre anni che vanno dalla vittoria di Munda nel 45 a.C. al suicidio di Bruto nel 42 a.C. in un lasso temporale assai più breve, inferiore ai sei giorni. Questa compressione degli eventi fa sì che l’intera narrazione sia un unico, ininterrotto conflitto, sia a livello personale che politico.
Lo stesso conflitto attraversa anche la versione viscerale e contemporanea di Giulio Cesare dello spagnolo Àlex Rigola, nome di spicco della scena internazionale, già direttore della Biennale Teatro di Venezia dal 2010 al 2016.
Il ruolo di Giulio Cesare è affidato all’attrice Maria Grazia Mandruzzato, che, insieme alle altre donne che interpretano ruoli maschili, rovescia le regole elisabettiane; Marco Antonio è Michele Riondino, attore di talento che si muove tra teatro, cinema d’autore e televisione.
Giulio Cesare è la prima regia italiana di Àlex Rigola, uno spettacolo epico, intenso ed appassionante che ruota attorno al tema dell’esercizio del potere.
Come si può gestire la violenza che divide gli uomini? Come si fa a chiedere a qualcuno, anche se solo per finzione, di uccidere un proprio simile? Quali sono i presupposti da cui partire per organizzare una rivoluzione? Uno spettacolo che interroga lo spettatore, messo brutalmente di fronte allo specchio delle sue pulsioni oscure.
Dati artistici
dall’omonimo film di Elio Petri
sceneggiatura Elio Petri e Ugo Pirro
drammaturgia Paolo Di Paolo
regia Claudio Longhi
scene Guia Buzzi
costumi Gianluca Sbicca
con Donatella Allegro, Nicola Bortolotti, Michele Dell’Utri, Simone Francia, Lino Guanciale, Diana Manea, Eugenio Papalia, Aglaia Pappas, Simone Tangolo, Filippo Zattini
produzione EMILIA ROMAGNA TEATRO FONDAZIONE
Alla sua uscita nelle sale cinematografiche nel 1971, La classe operaia va in paradiso di Elio Petri riuscì nella difficile impresa di mettere d’accordo gli opposti. Industriali, sindacalisti, studenti e giovani intellettuali gauchistes, nonché alcuni dei critici cinematografici più impegnati dell’epoca, fecero uno strano fronte comune per stroncare il film. Qualcuno non mancò addirittura di invocare il rogo di tutte le copie della pellicola.
Nata per rappresentare non le ragioni di questa o quella parte, ma il mondo proprio della classe operaia – come ebbe a specificare più volte il regista – il film innescò un duro dibattito all’interno della sinistra italiana, mettendone radicalmente in discussione, nel periodo turbolento dei primi anni di piombo, l’identità ideologica e l’effettiva capacità di rappresentanza del proletariato. Tanto che la pellicola fu a lungo mal vista in patria, nonostante i numerosi premi vinti e, soprattutto, nonostante lo stato di grazia dei protagonisti, una sfolgorante galleria di stelle da Gian Maria Volonté a Mariangela Melato, a Salvo Randone…
Costruito attorno alla complessa sceneggiatura di Petri e Pirro e ai materiali che testimoniano la genesi del film così come la sua ricezione (tanto ieri quanto oggi), riassemblati in una nuova tessitura drammaturgica da Paolo Di Paolo e saldati a un impianto musicale ricco e articolato, eseguito dal vivo dallo stesso ensemble di attori coinvolti nella messinscena, a quasi cinquant’anni dal suo debutto sui grandi schermi ERT sceglie di tornare allo sguardo scandaloso ed eterodosso, a tratti straniante, del film di Petri per provare a riflettere sulla recente storia politica e culturale del nostro Paese.
In una dialettica sapida e feroce tra passato e presente lo spettacolo, con la regia di Claudio Longhi, mutua il proprio registro stilistico da quello dell’incandescente “capriccio” di Petri, in bilico fra un grottesco a tratti velenoso, a tratti drammatico e un fantasioso realismo.
Nota di regia
All’apparire del film, una celebre battuta di Lulù Massa – antieroe lafarghianamente ossessionato dal lavoro, alienato e spezzato dalla logica cottimista della fabbrica infernale – rivolta a un altro operaio, pure lui oppresso dal ritmo incalzante della fabbrica, suscitò una generale riprovazione da parte del pubblico: «Scimpanzé! Credi davvero di essere un uomo… povera bestia!»La nostra epoca del consumo ultraveloce, segnata tanto dalla sovraesposizione mediatica e dalla bulimia dell’informazione quanto dal più completo vuoto ideologico, produrrebbe probabilmente reazioni molto diverse da allora, marcando una notevole distanza culturale – distanza che forse sarebbe da misurare in questi anni bui d’inizio millennio. Gli anni in cui, per esempio, il famigerato cognitariato ha preso, sotto tanti aspetti, il posto del proletariato di un tempo, ereditandone modi e follie. Gli anni in cui, chissà, siamo finiti col diventare tutti un po’ scimpanzé, un po’ Lulù. Claudio Longhi
23- 24 febbraio 2018
Di Michael Frayn
Regia Mauro Avogadro
Con Umberto Orsini, Massimo Popolizio e con Giuliana Lojodice
Produzione Compagnia Umberto Orsini e Teatro di Roma – Teatro Nazionale
in collaborazione con CSS Teatro Stabile di Innovazione
foto di Marco Caselli
A diciotto anni dalla sua prima rappresentazione torna in scena uno spettacolo diventato ormai un classico del teatro contemporaneo grazie a tre interpreti straordinari, Umberto Orsini, Massimo Popolizio e Giuliana Lojodice.
Sul Corriere della Sera, Franco Cordelli scrisse di Copenaghen: “È raro che un cronista di cose teatrali si arrischi a tanto; è raro che dica, senza mezzi termini, andate a vedere questo spettacolo, andatelo a vedere tutti, in specie voi che non andate mai a teatro, voi che lo detestate, o credete di detestarlo. Copenaghen è teatro di una semplicità disarmante e di una intensità espressiva senza pari”.
In un luogo che ricorda un’aula di fisica, immersi in un’atmosfera quasi irreale, tre persone, due uomini e una donna, parlano di cose successe in un lontano passato, cose avvenute tanto tempo prima, quando tutti e tre erano ancora vivi. Sono Niels Bohr, sua moglie Margrethe e Werner Heisenberg. Il loro tentativo è di chiarire che cosa avvenne nel lontano 1941 a Copenaghen quando improvvisamente il fisico tedesco Heisenberg fece visita al suo maestro Bohr in una Danimarca occupata dai nazisti. Entrambi coinvolti nella ricerca scientifica, ma su fronti opposti, probabilmente vicini ad un traguardo che avrebbe portato alla bomba atomica, i due scienziati ebbero una conversazione nel giardino della casa di Bohr. Il soggetto di quella conversazione ancora oggi resta un mistero e per risolverlo la Storia ha avanzato svariate ipotesi. Su queste ipotesi l’autore dà vita ad un appassionante groviglio in cui i piani temporali si sovrappongono, dando un valore universale alle questioni poste dai protagonisti.
Teatro Storchi 
Largo Garibaldi, 15
41124 Modena
Biglietteria
Tel. 059.2136021
Fax. 059.211426
biglietteria@emiliaromagnateatro.com
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